蜜蜂と遠雷

『蜜蜂と遠雷』。恩田陸による直木賞・本屋大賞ダブル受賞のベストセラー小説の映画化だが、最近マイブームの原作を半分読んでからの鑑賞です。 原作で言えば、一次予選までばっさりカット。映画は二次予選から始まる。 だから原作では結構ページを割いて書いていた４人それぞれの個性やバックボーンを補完して見られるのはいいんだが、半分とはいえ原作を読んでしまった呪縛は映画を素直に鑑賞することを妨げる。 恩田陸の原作は「文章から音楽が聴こえてくるような」と形容されていたが、例えば… 「彼の演奏を聴くと、善かれ悪しかれ、感情的にならずにはいられない。彼の音は、意識下にある、普段は押し殺している感情の、どこか生々しい部分に触れてくるのだ。しばらく忘れていた、心の奥の柔らかい部分」 上記はホフマン先生の紹介状を持って現れた16歳の天才ピアニスト風間塵の演奏を描写した一節だが、実際に音が流れる映画では、ここまでの音とは感じられない。ただ天真爛漫な少年が超絶技巧で弾いている以上のことは伝わらない。この風間塵の超越した存在感がボケると、作品全体もボヤけてしまう。 また、小説ではモノローグが多用され、コンテストに臨む繊細な心の揺れを細かく描写する。それが小説の肝でもあるのだが、映画では「心の声」は台詞にはならず、ある程度は伝わるとしても、輪郭が曖昧になってしまっている。 試写を見た恩田陸は「安心した」と言ったそうだ。卓越した文章の原作が映画観賞の妨げになる。難しいな〜。 でも、この映画がダメだって言ってるわけじゃない。松岡茉優の演技の巧さには改めて感動したし、『レディプレイヤー１』以来の森崎ウィンも繊細な演技でよかったし、いっしょに見ていた家内も「おもしろかった」と言っていたので、映画としておもしろかったのは間違いない。 要するに、この映画は本読んでから見ない方がいいように思う。それだけ恩田陸の文章が偉大なんだろう。 私はこの後、恩田陸の『蜜蜂と遠雷』を最後まで読むことにします。

二本の大河が絡まって大海に流れ着くって内容の原作だと思ってたのだが… 予選ー2次予選ー3次予選ー本選って進むにつれて亜夜の閉ざされた世界が塵やマーくんの世界感と絡まって音楽の世界に戻って行くさまが全然描かれていません。 ってか殻に閉じ籠った？事すらたいして描かれていない。 閉ざされた亜夜を支えていた奏は形すらありません。 松坂桃李を持ってきた故に彼の実演シーンを増やさなければならず塵やマーくんのシーンはかなり少ない。 と言うか原作の大事なシーンはほとんどカット。 映像化が不可能なんじゃなくて2時間の尺では無理だと言うこと。 少なくとも前後半の作品にして欲しかった。 煮え切らない。

原作の小説とこの映画はかなり別物です。 映画にしかないシーンや設定があり、逆に小説にしかないシーンや設定もあり、ストーリーの大枠は同じでも細部の違いは多くて大胆です。また、たくさんの文字でしか表現できないことと映像でしか表現できないこともそもそも異なります。ただ、ストーリーの要所要所は長大な原作を踏まえているので原作を知っていれば物語展開を急いでる印象を受けるかもしれません。 その上で、何回も原作を読んだ自分も、この映画はかなり楽しめました。こんな映像表現をするのかと良い意味で驚かされたシーンがいくつもあります。例えば、栄伝亜夜に影を落とす自身や家族の過去は小説よりも映画の方が鮮やかに描かれ強く印象に残りました。あるいは高島明石の「生活者の音楽」という側面も映画では彼の家族との生活を具体的に見せたことでよりリアリティが出たと思います。人気役者の松坂桃李が演じた恩恵なのか松岡茉優が演じる主人公と共に原作よりも存在感が大きい印象です。 個人的に残念だったのは、風間塵のプレゼンスが小説と比べて相対的に弱かった影響で、好きだったオケとの協奏曲の練習シーンがなかったことです。

直木賞と本屋大賞Ｗ受賞の恩田陸さんの原作小説を松岡茉優さん主演で石川慶監督が映画化した本作を久し振りにスクリーンで鑑賞したが、改めてピアノの音色をはじめとした音響と映像詩のようなシーンで綴られるストーリーが心に響いてくる。 本作はピアノコンテストを舞台にし、それに挑む若者達を群像劇タッチで描いていくのだが、キーパーソンとなるキャラクターが登場する。 彼は、亡くなった世界的に有名なピアニストから「ギフト」として送り込まれ、その天才肌、物怖じしない自由奔放さで周囲にカンフル剤として変化を与えていく。 ヒロインの亜夜はビアノの天才少女として持て囃された時期もあったが、ある出来事を切っ掛けに表舞台を去り、トラウマに悩まされたりして沈黙を続けていたが、ピアニストとしての去就を懸けてコンテストに挑む。 亜夜の幼馴染みで同じコンテストに挑むマサルは、将来を嘱望されているが故に、それがプレッシャーになっている。 私は幼少期から中学時代にかけて電子ピアノを学び、時に発表会や演奏会を大きなホールで演奏したことがあるので、コンクールではないが、この２人を含めたコンテスタント達が抱く葛藤や悩み、焦燥感は痛い程分かり、観ていて胸が締め付けられる。 今は亡き“ピアノの神様”から遣わされた彼は、他のコンテスタントにとって「ギフト」となるか、「災厄」となるのか？ この感性を刺激する作品を観ていると、久し振りにピアノを弾きたくなったり、ピアノコンサートに行きたくなります。

誰もが映像化したくなる原作ではあるが、一転それを試みたとき、これほどハードルの高い作品はないのではないか。だが、スタッフ・キャストは見事にそれをクリアしている。取材クルーの存在を上手に活用したドキュメンタルな語り口は原作のイメージを上手く活かしている。一方、原作にはないアクの強いキャラクターを終盤登場させスパイスを効かせている。この辺は監督・脚本・編集の石川慶の手腕だろう。キャストも適材適所で皆健闘していて、特に主演の松岡茉優には凄味すら感じた。

沼った、、 松岡茉優はもちろん前からだけど鈴鹿央士に沼った気がする ピアノもピアニストもやっぱりかっこいいと思ったし 普段から手元ばっかり気になっちゃう人だからなんともよかった 内容とか人柄とかもっと深掘りして欲しかった気はする でも演奏シーンの迫力はすごいし気づいたら力入ってるし観終わったらちょっと疲れてた 片桐はいりはさぞかし重要な役どころの隠しキャラなんだろうと思って観てたらそんなことはなかったっぽい 音楽とか音色とか、もはや音で感情って伝わるんだなあ 大地が鳴ってエンドロール終わるの最高

映画館で見るとまるでピアノのコンクール会場にいるような感覚になります！緊張感が伝わってくるシーンも多いですがピアニスト4人で海に行くシーンや松岡さん演じる栄伝彩と鈴鹿さん演じる風間塵の連弾のシーンはとても和やかな気持ちになります！新人の鈴鹿央士さんが可愛かったです！

ピアニスト4人、それぞれ想いがあって世間の人には見えない苦悩もあって、そういう見えないところがあるからこそ天才と呼ばれるのではないかと思いました。 ピアノの、オーケストラの「音」がキーワドだと思います。映画のほとんどでとても良い音が流れているので、とても癒されるのとそこに登場人物のそれぞれの物語があるから感動します。 原作読まず映画を観ましたが、映画をみて原作を読みたいと初めて思いました！ これは映画館で観ないと損します。良い音響の映画館で、ぜひ！ 私ももう一度見に行きます！

演奏シーンが迫力があり引き込まれて、本当のコンクールを観てるようでドキドキしました。 松坂桃李さんは、やっぱり作品によって別人のようですね。今回は見た目も話し方も素朴で本当に普通っぽいお父さん。最近の作品とは全く違いました。複雑な心情が伝わってきて、天才ではない普通の私には1番理解できる役でした。もっともっと見たかったです…思ってたより出てるシーンが少なくて。 新人の鈴鹿くんが凄く役のイメージに合っていて、可愛くて良い味出してました。

森崎ウィンさん→演奏中の姿がとても格好良くて注目が集まることに納得がいくくらい魅力的。 鈴鹿央士さん→天才すぎてよくわからない発言をする人、自分の周りにもたまにいるけど、そういう人が持っている独特の雰囲気みたいなものがよく伝わった。 松坂桃李さん→すごく良い意味で、「普通の人」だった。普通に近所の道とか歩いていそうな人。「マエストロ！」で首席のバイオリニストの役を演っていらした時は格好よかったけど、この映画の中では見事に「凡人」だった。 松岡茉優さん→説明台詞やナレーションのないこの映画の余白を埋めようとしたとき、いつも彼女の表情から解釈できた。台詞が少ない分繊細な表情が素敵で、最後のシーンはもう本当にピアニストにしか見えなかった。ステージに向かう姿は格好よくて、弾いてるときの表情とか体の揺れ方とか、短く切り揃えた髪の揺れ方も、予選と全く異なっていて本当に素晴らしい！

観終わった後一番初めに思い浮かんだ感想は「なかなか挑戦的な作りだなぁ」って事。 ほぼピアノコンクールが描かれていて人間ドラマや恋愛っていうパートが極端に少ない。 登場人物の紹介もほぼほぼ無い状態で話が進み、ピアノコンクールに対しての思いやその時の感情だけにスポットライトが当たる。 音楽って不思議なもので演奏者の感情が音に出てしまう。 それが良くもなり悪くもなる。 モチベーションが下がっていたり、全然乗り気じゃなかったり、怒りで満たされてしまっている状態でも良い音楽が生まれる時もある。 演奏する数分という長い人生で考えたら一瞬程度の時間に懸ける熱量の描き方がとても素晴らしいです。 全編通してとても静かな作品なのですが観終わった後も気持ちは高揚し、まだまだ映画の世界に浸っていないなって思いました。

公開日の夕方に鑑賞しました。 導入部の印象は「四月は君の嘘」+「ピアノの森」。 ヒロイン、栄伝亜夜がピアノにトラウマを負った原因は、母の死。 優しい母と厳しい母の違いはあるが、「四月は君の嘘」の設定とほぼ同じ。 強い音圧で方にはまらない演奏をする風間塵は、「ピアノの森」の一ノ瀬海っぽい。 コンテストの雰囲気や、コンテスタントの交流や葛藤も、既視感が無いといえば嘘。 それでも、亜夜が7年前に残した宿題を克服しようと演奏するラストは、緊張感があって好きえした。 演奏ぞのものの気迫に加え、また途中で止まっちゃうんじゃないかとハラハラし、独特の緊張感がありました。 本当に弾いているように見えるかは、場面によっては微妙でしたが、演奏後に息が荒い感じはリアルでした。 個人的に好きなシーンは、調律師の工房で、亜夜と塵が連弾するところ。 月を眺めながら、ドビュッシーの「月の光」から「ペーパームーン」(映画音楽)、そしてベートーヴェンの「月光」へと揺蕩い、また「月の光」に戻る件が白眉。 月のイメージ1つで、打ち合わせなし連弾できちゃうなんて、めっちゃ素敵。 プロとしてはコンテストに勝つことが重要なんだろうけど、素人目線では何気ない日常をピアノの調べで満たせることの方が素敵に思えます。 また、塵を演じる鈴鹿央士の、イノセントな美しさと表情には目を奪われる。 演奏する時の歓喜に満ちた表情は、無邪気さと天才性を体現してました。 マサル演じる森崎ウィンも、good acting。 幼馴染としての優しい、野心ある若手ピアニストとしての熱さや焦燥が、よく出てました。 審査委員長を演じる斉藤由貴も良かったです。 尊大で辛辣な感じが、大物ピアニスト然としていました。 課題を感じたのが、今回の演出でどこまでヒロインの心情を表現できたかというところです。 松岡茉優演じる亜夜は、時折笑顔も見せるけど、基本無表情です。 それは、母の生前には響いていた音が鳴らなくなったから。 自然に溢れている音を、音楽として紡げなくなったから。 それでも、風間塵との交流を通じて、自然の音を感じられるようになり、7年前の宿題に立ち向かう。 と、大筋はフラッシュバックの演出や、亜夜が選んだ舞台衣装から理解できました。 ただ、その際の亜夜の感情の高まりまでは、感じることができませんでした。 「四月は君の嘘」ほど雄弁でなくていいけど、モノローグを有効に使う演出もあり得たのではないかと感じました。 無論、実写映画でのモノローグの多様は野暮なのかもしれません。 ただ、心の叫びを表情で語らせないのなら、もっと他の表現手段を開発してほしかったです。 正直、雨に佇む馬のイメージは、最後までピンときませんでした。 原作未読なのがいけないのかもしれませんが、映画が独立した作品である以上、原作み読者にも理解できる演出は必須なはずです。 P.S. 不幸だったのは、「ジョーカー」の後に観たことかも。 トラウマの重大さも、感情の演出も、「ジョーカー」の方が上だったので、若干見劣りしました。 渋滞や行列で、本作の朝一の上映時間に間に合わず諦めましたが、「ジョーカー」の前に観ていれば、もう少し評価が高かったかもしれません。

4人みんな影響しあって成長しあっていた 個人的には、凡人凡人言ってた松坂桃李（努力の天才だから天才だと思うけど）も影響を与えていて、凡人でも何かを与えられるのかなってほっこりした

原作を読んでいるとガッカリする一方で、読んでないとストーリーがよく理解できないんじゃないかと思うほどの内容の希薄さ。 映画と小説はベツモノとは言え、原作では丹念に積み上げられた四人のピアノへのアプローチが一切捨象され、新たなエピソードや心象風景も、どこか取ってつけたよう。これでは亜夜がラストで覚醒（帰還？）するに至る盛り上がりも感じようがないではないか！ 何よりも、例えば「ボヘミア・ラプソディ」のラスト２０分のような、音楽的なカタルシスがまるで味わえないところが最大の問題点である。 映画化する意味って、まさにそこにあるんじゃないのか？ クラシックだと皆んな寝ちゃうから？ そんなことはないでしょう！ あくまで個人的感想ではあるけれど、正直、途中で帰ろうかと思いました。